Los caminos de un juglar

Germina.cciones Buenos Aires 2010

Durante el otoño de Buenos Aires recibí una invitación para participar en un encuentro de compositores dando una charla-conferencia organizada por un compositor italiano cuya idea principal era hacer un encuentro de compositores latinoamericanos.La invitación era de un amigo en común que tengo con Luca Belcastro al cual,en ese momento,no tenía el gusto de conocer y, a decir verdad,en mi vida había oído hablar de él. Mi primer contacto con Luca fué por mail y era para aclarar unos puntos con respecto a la charla y cuestiones técnicas de la misma.Lo extraño y a la vez interesante de la invitación era que el tema a escoger era “libre”,no había un tema específico a tratar,la única pauta era hablar sobre la composición de música en general.No se me pidió nada mas y el tiempo que tenía para desarrollar mi charla en el centro Cultural Español de Buenos Aires (CCEBA) eran dos horas…y me enviaron un “flyer” de las conferencias las cuales tenian el nombre de GERMINA.CCIONES -¿…?-

Bueno,como internauta que soy,me puse a investigar en las direcciones electrónicas del promocional cibernético que Luca había enviado a mi correo y empecé a encontrar información sobre las misteriosas Germina.cciones:

En ese entonces,otoño-invierno del cono sur,solo había una página-web sobre Germin.acciones en donde se podía ver información de otras conferencias y cursos ya dados por Luca Belcastro,destacaba sobre todo que todas estas eran, mas que seminarios, encuentros de compositores latinoamericanos y que se venían desarrollando desde 2007 en varios países como son Bolivia,Argentina,Chile,Perú y México…y que no eran solo charlas-conferencias,también había cursos ,talleres y conciertos.Que entre las actividades de Germin.acciones también participan ejecutantes tanto tocando música de los compositores participantes en los talleres asi como de sus grupos y ensambles de música contemporánea,habia análisis de partituras,seminarios de instrumentación etc…no era un simple encuentro…era una “academia itinerante” por llamarlo de una manera (de hecho,dentro de germin.acciones existe “JACARANDÁ”, cuyo subtítulo es “Taller Itinerante”).

Y bien,después de darme una idea ,todavía general,de las actividades de Germina.cciones,decidí el tema que mi charla y me puse a trabajar en ello.Mi charla se llamó “Sonografía” donde ,en general,hablaría sobre la descripción y manipulación del sonido así como de sus elementos principales,sobre la forma en música y sobre el arte sonoro,algunos conceptos de acústica que siempre conviene tener presentes,conceptos generales sobre el espectro armónico-sonoro y algunas grabaciones de música étnica y música propia que sirvieran como ejemplo de lo que presentaría.

Y llegó el momento de las primaveras latinoamericanas…empezaron las charlas y el curso,y fui a varias de las charlas.Los temas fueron muy variados,algunos sobre la historia musical en un país en particular,otras,las mas,de compositores hablando sobre su propia obra y algunas de instrumentistas hablando de su trabajo y práctica musical.Música electrónica,musica vocal,música espectral,instrumental,algoritmos,complejidad,sencillez…acentos de Latinoamérica en las voces de los participantes,vivencia y práctica del sonido y su estructuración, diversa manipulación y conceptualización,el sonido en Perú,ideas instrumentales en Colombia,música electrónica en Argentina, el saxofón moderno,la voz…Nonsense Madrigal…Automáticamente surgen preguntas:¿De dónde vienen estas ideas y porqué se han dado de esta manera? ¿Los compositores latinoamericanos cómo viven,piensan y estructuran el sonido en su música?¿Cómo experimenta un interprete su relación con la música contemporanea en estas tierras?¿porqué existen unas técnicas y otras no?¿Europa?...y el escucha esta oyéndonos?¿nos necesita? .¿Existe un público que nos busca y desea saber de nosotros y nuestros sonidos?. Los conciertos,los auditorios,las instituciones,los gobiernos ¿qué influencia y papel juegan en la difusión y percepción de esta música?. ¿Y el ruido y el silencio cómo son por acá?

Pienso que los participantes en Germina.cciones se deben hacer estas preguntas y varias otras,las respuestas solo se encontrarán con los años de prácticas,encuentros y desencuentros.Germina.cciones no da respuestas a las preguntas anteriores y ,pienso, que ese tampoco es su fin,pero es el punto focal en dónde estas preguntas estan surgiendo y generandose y es precisamente esto lo importante y valioso: cuestionar y cuestionarnos,cuestionar al sonido de este lado de acá,cuestionarnos los compositores de tan variados países y confrontarnos para que esas preguntas nos motiven a investigar el sonido y su recepción,que esas preguntas nos den, en algún momento del tiempo, respuestas que nos ayuden a teorizar y practicar firmemente una disciplina y un arte,si se quiere.Tenemos ,dentro de todo lo que tenemos,un punto de encuentro al donde acuden otras personas,otros artistas,otros músicos todos los cuales intercambian intereses comunes y afines,entonces hay que aprovecharlo.Germina.cciones es muy joven y,sin embargo,los encuentros que plantea ya son maduros y profundos.No es que en Latinoamérica esto no suceda,el pensamiento teórico y las practicas musicales contemporánes se dan desde hace mucho tiempo principalmente en las universidades,mas sin embargo,iniciativas como Germina.cciones, aceleran y provocan el flujo de ideas y conocimientos mas rápida y certeramente,tanto complementa como propone,sus consecuencias están empezando a sentirse,con voz muy baja aún,apenas germen,pero continuamente, principalmente en países sudamericanos.

Pues el encuentro en Buenos Aires terminó y me dejo una experiencia de las buenas,de esas que es necesario repetir,la necesidad de volverlo a vivir y de ser parte de esa experiencia…en fin con motivos suficientes para participar una vez mas.

En los últimos dos meses Germina.cciones a seguido en movimiento y a la par de los cursos y encuentros dados en Buenos Aires,Perú,Bolivia y Chile a empezado nuevas acciones y comienza a utilizar todo lo que el mundo web de Internet puede potenciar a una idea: foros,intercambio de partituras,Wiki,videos etc. su página cuenta ahora con varias secciones que facilitarán y potenciaran aun mas sus causas y fines como son,principalmente ,el encuentro de compositores,la composición y la discusión teórica.

Finalmente agradezco a Luca Belcastro la invitación a esta experiencia y estos encuentros.Me acuerdo de la última caminata que tuvimos al terminar el curso en Buenos Aires ,después de cenar unas pizzas ahí por la calle de Chile cerca de Mafalda, caminamos charlando sobre el Germina.cciones y sus perspectivas desde San Telmo,pasando por Cordoba y ,ya muy cerca de Santa Fe, nos despedimos, el tomó a la derecha y yo a la izquierda: Yo a tomar el “59” y,en unas horas,Luca tomaría sus instrumentos,sus músicas nuevas , sus ropas de viaje y volvería al camino,a tocar la música que encontró aquí en otros lugares diferentes,llevando germinaciones de aldea en aldea, de castillo en castillo,de ciudad en ciudad...como un juglar medieval.

Sonografía

Del ruido al sonido y de allá para acá…

Esta charla es con el fin de compartir inquietudes y propuestas personales acerca del sonido y el ruido,de las fuentes de los sonoro y de su utilización en un plano estético,es decir,en la composición. ¿Cómo es el sonido? ¿en dónde está? ¿qué significa? y ¿quienes lo hacen?,¿que puedo hacer con él desde una perspectiva artístico sonora?¿cómo se estructura y elabora en una composición?.

A lo largo de los años y en cuanto a mi experiencia personal,primero como alumno y luego como académico y compositor,siempre me ha interesado el tipo de técnicas y estrategias usadas en el proceso de composición de una pieza, ya sea esta musical o no,sino también en lo que llamo la búsqueda de las fuentes de lo sonoro…esta búsqueda de fuentes sonoras me llevo a hacer obras en donde empecé a usar ruidos o a trabajar con sonidos de objetos y me era cada vez mas difícil la aplicación directa de mis conocimientos tradicionales de música como son la armonía,el contrapunto,las escalas,los instrumentos clásicos,la instrumentación y la orquestación etc. no es que no me sirvieran,es que hubo que darles otro sentido. Después me dedique al estudio del sonido y la acústica y con ello el descubrimiento de las corrientes de composición espectral.Paso un tiempo y empecé a usar cada vez mas la computadora y los medios electrónico-digitales…todo cambiaba y hubo que decidir entre adaptarse o participar… yo continuaba al día día,estudiando,comprendiendo,componiendo…decidí participar.

Y aquí lo importante era tomar conciencia del mundo como productor de sonidos o concebir el mundo desde su “construcción” y presencia sonora.Los ruidos, la calle,el transporte público.Los sonidos de los ríos ,del mar, del viento,del planeta.Los ruidos de los autos,de nuestras máquinas, …todos los sonidos…la música,toda la música y las músicas grabadas….la voz humana…prácticamente todo lo que suena era (y es) susceptible de utilizarse como material a organizar en una pretendida obra artística basada en el sonido y,si agregamos a lo anterior las técnicas de grabación y elaboración digital del sonido,nos damos cuenta que nuestra relación con el sonido y su manipulación a cambiado radicalmente y que, para aprehenderlo, ha sido necesario experimentar y crear nuevas estrategias de composición,interpretación e investigación.

Hace ya una buena cantidad de años que nos alejamos del solo hacer música con instrumentos musicales e inclusive,nos hemos alejado tanto, que han surgido otras disciplinas diferentes a la música y han surgido artístas que se ocupan del sonido y su fenómeno y que ya no se llaman o no los podemos llamar músicos o compositores.Artístas sonoros es el término en el cuál se agrupan, en general, estos nuevos exploradores acústicos.

Estos nuevos “artístas sonoros”se acercan al sonido y le preguntan y lo exploran de manera diferente al músico o compositor tradicional. La mayoría de ellos no parte desde una formación musical en un conservatorio,muchos de ellos son artístas plásticos,otros son arquitectos,los hay quienes son poetas,otros son ingenieros de sonido y hay también practicantes del performance y alguno que otro que ha llegado de carambola…y tambien los hay conceptuales.Todos ellos se acercan de una manera que llaman o se llama“interdisciplinaria”.Por supuesto,también hay músicos,pero también es cierto que los músicos ya no son los únicos que detentan el poder del “arte del sonido”,por decirlo de alguna manera,y eso, mas que perjudicar,nos esta resolviendo algunos problemas.El primer problema que resuelve es quién es qué y cómo lo hace,definiendo lo anterior se reafirma al músico y al “artista sonoro” ,se les define una nueva y vasta area con el proposito de asumir y a subrayar en cada disciplina sus poéticas de creación e interpretación sonora. Otro problema importante es,desde el punto de vista social,el de los conciertos,es decir,del oyente y de la representación,pues frecuentemente, y cada vez mas, se prescinde del interprete concertista instrumentista.Un problema mas,el espacio acústico,el cual ya no es solo la sala de conciertos, cada vez es mas la calle,los parques y los espacios públicos.Finalmente, y de primordial importancia, es el “cómo se compone”,en donde la aceptación y diferenciación de estas dos percepciones del sonido enriquecerá y diversificará los procesos y estrategias de organización aplicados a la creación de obras acústicas.

He tenido la necesidad de explicarme esto mejor,para poder comprenderlo y usarlo con fines artísticos propios,luego entonces, decidí darles nombres y definir funciones. Asi que a esta nueva forma de acercarse al sonido yo la llamo sonografía,descripción del sonido,puesto que,desde mi punto de vista, estos artístas no elaboran y desarrollan el sonido en el tiempo, como sucede en la música,sino que solo lo emiten,lo reproducen o lo provocan,proyectandolo en el espacio acústico que utilizan. A su forma de representar el sonido o ejecutarlo se le llama desde hace tiempo “instalación sonora”, “intervención sonora” , “poesía sonora” o “diseño sonoro”.Dicho lo anterior,a los que ejercen esta disciplina los llamo sonógrafos.Quiero decir que de la misma manera que un fotógrafo no es un pintor,un sonógrafo no es precisamente un músico.El sonógrafo no habla precisamente de música, así como el fotógrafo no nos habla de pintura.El sonógrafo,a diferencia del compositor, busca obtener una imagen sonora “instantanea”,una “fotografía” del sonido que usará y complementará al mezclarlo con otras disciplinas artísticas asi como con tecnologías digitales.En la sonografía el concepto de intérprete también es transformado,el interprete puede ser una grabación y unos altoparlantes,el escucha o la naturaleza misma.En la mayoría de estas creaciones la obra es efímera,no se deja rastros de ella como los deja la escritura musical,en la mayoría de los casos su testigo es el video y la audio-grabación,con excepción de la llamada “poesía sonora”.Por otra parte,el sonógrafo y el compositor,cada uno a su manera,poseen técnicas diversas de cómo acercarse y hacer suyo al sonido,de cómo transformarlo y como representarlo.Si el compositor parte del sonido y su devenir temporal,el sonógrafo parte del sonido y su devenir espacial e interactivo.Aquí las posibilidades de cómo aprehender y tratar al sonido se multiplican y es el lugar en donde compositores y sonógrafos se benefician mutuamente.¿Cómo se compondrá ahora y para que espacios acústicos?¿Cómo se diseñan estas músicas y expresiones sonoras y cómo son los lugares en dónde esta práctica existe? ¿Cómo se representa el sonido ante un auditorio y cómo participa de él un escucha?

En algún momento de la historia musical el joven Pierre Boulez ,una vez terminada la segunda guerra mundial y habiendo superado la teoría dodecafónica,mencionó que el compositor se encontraba en un campo vasto y virgen,en donde los compositores se podrían permitir cualquier visión y elaboración del sonido,entonces comenzaba la época de las vanguardias musicales del siglo XX.Ahora,en estos días, nos encontramos en un estadio semejante, pues nuevas técnicas de composición producidas en esta reciente significación del sonido, aunadas a las propiamente musicales, nos dotan de nuevas herramientas que amplian nuestra relación y percepción del sonido y el cosmos, y nos provocan la creación de nuevas preguntas y respuestas,es decir,de comunicarnos vitalmente en términos auditivos,cientificos,sociales y culturales.

Celibidache, Bolero de Ravel.

You Don't Do Anything, You Let it Evolve...



...develop gradually, from a simple to a more complex form.

GYöRGY LIGETI- POEME SYMPHONIQUE 1962 (Score)

GYöRGY LIGETI- POEME SYMPHONIQUE 1962
for 100 metronomes - score





"Poeme Symphonique" (for 100 metronomes) requires, as its primary condition for performance, 100 metronomes.
Their acquisition may be accomplished in several ways. For example, they may be borrowed from one or more music instrument firms. (When the pertinent special shops are not to be found on the spot, it is recommended that inquiry be made to this end at so-called music dealers). For the purpose of attaining the desired result (i.e., the permission to borrow), some comments may be useful with regard to the value of the advertising to the firm, gained through its readiness to loan. In this connection one may offer to print the name(s) of the firm(s) on the concert poster, in the programme book or on a placard to be placed on the stage, or one or another combination of the listed possibilities. If necessary, the announcement may take the form of verbal communication, either by itself or as a means of following up the printed announcement.

Another way to bring about the acquisition of the metronomes is the insert advertisements in the newspapers. In this case all private persons will be invited to be so generous as to make temporarily available the metronomes in their possession for use in the performance. In cities which have their own music schools*, this request can be made directly to the teaching staff or the student body, with the assistance of the customary media of communication. In the two last-named instances it is recommended that the owners of the required instruments be asked to put some means of identification on them, to prevent their being misplaced or mixed up. This can be achieved, for example, through the obligatory affixing of the owner's name by means of a suitable strip of paper**.

Should it happen that a Maecenas makes it possible to borrow the metronomes for the purpose of performance, his name- after consultation with the person in question- shall be made public.*** The composition is provided with a passe-partout dedication: on each occasion the work is dedicated to the person (or persons) who have helped to bring about the performance through the contribution of instruments, by any means whatsoever, whether it be executive council of a city, one or more of the music schools****, one or more businesses, one or more private persons. If a patron can be found who will remove once for all the financial hindrances to the performability of the work by buying the necessary metronomes and guaranteeing the transportation costs which arise from time to time, "Poeme Symphonique" will be dedicated from then on to him alone.

In particular, the following instructions for performance are to be carried out:
1) It is preferred that pyramid-shaped metronomes be employed.
2) The work is performed by 10 players under the leadership of a conductor. Each player operates 10 metronomes.
3) The metronomes must be brought onto the stage with a completely run-down clockwork (that is, in an unwound condition). It is expedient that they be placed on suitable resonators. Loudspeakers, distributed throughout the concert hall, can serve to raise the dynamic level. It is recommended that each of the 10 groups of 10 metronomes be arranged about a microphone which is connected to an appropriated loudspeaker*****. The distance between the metronome-group and the microphonem as well as the regulation level of the allocated loudspeaker******, are to be differently set in order to achieve the proper effects of closeness and distance.
4) At a sign from the conductor the players wind up the metronomes. Following this, the speeds of the pendulums are set: within each group they must be different for each instrument.

"Poeme Symphonique" may be performed in two versions:
1) All metronomes are wound equally tightly. In this version the chosen metronome numbers (oscillation speeds) wholly determine the time it will take for the several metronomes to run down: those which swing faster will run down faster, the others more slowly.
2) The several metronomes of a group are wound unequally: the first of the 10 metronomes the tightest, the second a little less, the tenth, the least tightly. Care must be taken, however, that the winding and the regulation of the speeds of the several metronomes are carried out completely independently of each other. Thus the metronome in each group which has been most lightly wound must not be the fastest or the slowest in its oscillation.

The conductor arranges with the players beforehand the method and the degree of winding.
The performance may be considered ideal, if
a) in the first version all the metronomes
b) in the second version the first metronome of each group
is(are) completely wound.

The ideal manner of performance is the obligatory one. Non-ideal performances are only permitted if weighty reasons are present which force the occurrence of a deviation from the ideal performance, such as the playing of a shortened version of the work. In this unwelcome case the conductor must set, with the performers, the number of turns for (1) all the metronomes or (2) the first of each group, according to whether the first or second version is being played. The winding-up and the regulation of the oscillation speeds (the setting of the metronome number) must be done ceremoniously and formally. At the conclusion of this preparatory activity comes a motionless silence of 2-6 minutes, the length of which is to be left to the discretion of the conductor. At a sign from the conductor*******, all the metronomes are set in motion by the players. To carry out this action as quickly as possible, it is recommended that several fingers of each hand be used at the same time. With a sufficient amount of practise, the performers will find that they can set 4 to 6 instruments in motion simultaneously. As soon as the metronomes have been started in this fashion, the players absent themselves as quietly as possible******** from the stage, led by the conductor, leaving the metronomes to their own devices.
"Poeme Symphonique" is considered as ended when the last metronome has run down. It is up to the conductor to decide when the last metronome has run down. It is up to the conductor to decide the duration of the pause, before he leads the players back on to the stage to receive the thanks due from the public.

(Translated by : Eugene Hartzell)

*resp., colleges of music
**It is recommended that the use of fountain pen or ball-point pen be prescribed.
***See in this connection the paragraph on the music instrument firms.
****resp., colleges of music
*****or group of loudspeakers
******resp., group of loudspeakers
*******downbeat
********Suitable footwear is requested.

http://www.artnotart.com/fluxus/gligeti-poemesymphonique.html

Este espacio es para escuchar.

Por ahora estamos en construcción.